Whiplash

Psychopathen – unter diesem Begriff stellt man sich wohl gemeinhin Hannibal Lecter vor oder andere Vertreter der Sparte Kaltblütige Mörder. Tatsächlich aber sind Psychopathen alltäglicher, als man denkt, und überall in irgendeiner Form anzutreffen. Zum Beispiel am fiktiven Shaffer Conservatory of Music in New York City. Der oscarprämierte Film Whiplash aus dem Jahre 2014 porträtiert die problematische Beziehung zwischen einem Musikstudenten und seinem sadistischen Lehrer und verleiht dem etwas angestaubten Jazz-Genre mit Psychoterror und einer Erzählung im Rocky-Stil neue Würze.

Die Geschichte von Whiplash handelt von Andrew (Miles Teller, Rabbit Hole), einem jungen und naiven Schlagzeuger, der davon träumt, es in die Welt des Jazz zu schaffen. Er hat einen Studienplatz am renommierten Shaffer Musikkonservatorium in New York und bekommt die Gelegenheit, in der Jazzband des beinharten Terence Fletcher (J.K. „I want Spider-Man!!“ Simmons, Spider-Man) die Sticks zu rühren. Allerdings merkt Andrew bereits bei der ersten Probe, dass unter Fletcher so einiges anders läuft. Mit erschreckenden Lehrmethoden versucht dieser seine Studenten anzutreiben. Andrew ist gezwungen, sich Fletcher zu beugen oder an ihm zu zerbrechen.

Kunst vs. Leben

Originaltitel	Whiplash
Jahr	2014
Land	USA
Genre	Drama
Regisseur	Damien Chazelle
Cast	Andrew Neiman: Miles Teller Terence Fletcher: J. K. Simmons Jim Neiman: Paul Reiser Nicole: Melissa Benoist
Laufzeit	106 Minuten
FSK

Musik – das ist eine Dichotomie, denn sie kann das Leben erfüllen, aber auch zerstören. Vor allem ein Musiker, der sich zu Höherem berufen fühlt, muss aufpassen, dass er nicht zum Monster wird. In dieser Hinsicht unterscheidet sich die Musik nicht allzu sehr vom Sport. Auch Andrew ist ein solcher Typ, einer, der zu den Größten gehören will und dafür viel in Kauf nimmt. Es ist das alte Thema Kunst vs. Leben – zwei Welten, die in vielen Geschichten als unvereinbar gelten, und Whiplash bildet da keine Ausnahme, denn auch in Andrews Leben wird alles auf Eis gelegt, was ihm die Sicht auf sein Ziel nimmt. So endet die vielversprechende Beziehung zur jungen Studentin Nicole (Melissa Benoist, Supergirl) abrupt, damit Andrew seinen Fokus nicht verliert. Nicole ist dabei nur einer von vielen Kollateralschäden im Film.

Der Meister …

Andrews Gegenspieler ist Terence Fletcher, ein Chauvinist, Antisemit, Rassist und natürlich homophob. Fletcher ist quasi anti-alles, nur die Musik, die mag er. Er wird als furchterregende Gestalt eingeführt, als eine Silhouette an der Tür, die von allen probenden Musikern aufgeregt fixiert wird („Kommt er etwa rein?!“). Er ist eine Naturgewalt mit stilsicherem Auftreten, der seine Macht missbraucht und Angst schürt, um seine Schüler zu dieser schwer fassbaren Perfektion zu treiben. Betritt er den Probenraum, schauen alle betreten zu Boden, keiner wagt den Augenkontakt. Fletcher hat seine Band so hart gedrillt, dass sie im Nullkommanichts spielbereit ist. Filmeditor Tom Cross (La La Land) fängt das in scharfen und schnellen Schnitten ein: Noten aufschlagen, Fokus auf tricky Stellen, Kannen hoch, Sticks auf Snare – fertig! Eine von vielen schnittsicheren Szenen, für die Tom Cross den Oscar bekommen hat.

… findet seinen Sklaven

Fletcher ist der hochkarätige Bandleader der Studioband auf der Suche nach Frischfleisch. Während die Leader der First-Year-Bands nichts in dem schwächlichen und schüchternen Andrew sehen, erkennt Fletcher das Potential des Jungen. Es wirkt ein bisschen so, als würden sich inmitten von Normalos der Sadist und der Masochist allein durch Blicke zu erkennen geben und zueinander finden. Andrew muss hart kämpfen, um seinen Platz am Schlagzeug zu behalten, und das wird durch Fletchers Temperament nicht gerade leichter. Von Anfang an entwickelt sich eine manipulative und missbräuchliche Beziehung, in der Andrew der ständigen Bedrohung durch Fletcher ausgesetzt ist. Diese Beziehungen ist aber der zentrale Knackpunkt des Films, denn Andrew und Fletcher brauchen einander für den Kick. Das Schlagzeugspiel wird zur Droge, Fletcher zum Dealer und Andrew erlebt den unendlichen Fiebertraum eines Kokainsüchtigen, der sich seine Hände blutig spielt.

Über die Musik …

Der Fokus von Whiplash liegt immer auf der Musik, was sich auch in den Kulissen zeigt. Andrews Zimmer besteht nur aus Matratze, Schlagzeug und einem Poster von Buddy Rich. Wenn Andrew übt, zeigt sich sein ehrgeiziger Wahn – ein innerer Zustand, den Komponist Justin Hurwitz (La La Land) auch im Soundtrack darstellt, indem er lang gezogene, psychedelische Töne erzeugt, die sich durch das wilde Schlagzeugspiel hindurch ihren Weg nach oben bahnen. Durch das unmenschliche Tempo des Schlagzeugs und der anschwellenden Orgelpunkte hat man immer das Gefühl, Teil eines körperlichen Rauschs zu sein – man möchte meinen, dass Andrew kurz vorm Herzkollaps steht. Die Parallele zum Sport wird auch dahingehend gefördert, da Schauspieler Miles Teller von einem vergangenen Autounfall Narben im Gesicht behalten hat und durch seine (je nach Lichteinfall) relativ präsent wirkende Nase wie ein Boxer ausschaut, der sich 18 Stunden lang durch Gegnerhorden gekloppt hat.

… und den Sport

Der Vergleich zum Sport und zum Drogentrip funktioniert in Whiplash so wunderbar, da es um einen Schlagzeuger geht. Das Schlagzeug ist das körperlichste aller Instrumente, denn hier kann man seinen Körper im ungesunden Maße an die Grenzen treiben. Der Schweiß fließt, die Blasen platzen, die Hände bluten, man spielt sich in einen Rausch, weil der gesamte Körper zur Maschine wird und nach und nach die Schallmauer durchbricht. Whiplash wirkt wie eine Trainingsmontage für Jazz-Trommler. Andrew trainiert exzessiv und sucht ständig Fletchers Zustimmung, aber dieser ist widerspenstig und weit davon entfernt, Lob zu verteilen. Denn trotz fragwürdiger Methoden verfolgt Fletcher eine doch löbliche Philosophie: Die menschliche Bereitwilligkeit, mit dem Mittelmaß zufrieden zu sein, ist eine Krankheit, die bekämpft werden muss. Ein „Gut gemacht“ bedeutet den Tod.

Psychospielchen bis zum Schluss

Andrew überwindet nach und nach seine Befangenheit, beweist im direkten Konkurrenzkampf mit anderen Schlagzeugern Bissfestigkeit und wagt es, Fletcher herauszufordern. Damit beginnt das Psychospiel, das bis zum Grande Finale anhält, in dem sich die beiden auf der Bühne gegenüber stehen und man sich zunächst nicht sicher ist, wie es zu diesem Moment kam. Macht Andrew hier einen Ego-Trip? Oder hat Fletcher diesen Ego-Trip durch Manipulation heraufbeschworen? Whiplashs Finale ist eine katharsische Szene mit einem wahrhaft inspirierenden Jazz-Solo und einem Moment der Synchronizität, der die Beziehung zwischen Schüler und Lehrer nochmal neu aufrollt. Wer hat gewonnen? Der Zuseher findet die Antwort, wenn Fletcher und Andrew ihren letzten Blick austauschen.

Fazit

Whiplash tut für Jazzmusik das, was Mozart in the Jungle für Klassikmusik getan hat: Es gibt Einsicht in einen Musikstil, der oft als veraltet betrachtet wird, und zeigt, wie aufregend er sein kann. Whiplash erneuert die Klischees; es gibt keine Zigaretten, keinen Sex und keine (wirklichen) Drogen. Nein, es gibt nur die Musik. Die Musik und die Frage, ob man seine Studenten brechen muss, um sie zu exzellenten Künstlern zu machen. Regisseur Damien Chazzelle vermeidet den didaktischen Fingerzeig, eröffnet nach dem Finale aber den Diskussionsraum über Lehrmethoden und Formen von Lehrer-Schüler-Beziehungen. Ich für meinen Teil bin jemand, der mit Fletchers Philosophie sympathisiert und teilweise auch mit seinen Methoden (auch wenn ich von meinem damaligen Big Band-Leader „nur“ mit einem fetten Schlüsselbund beworfen wurde). Fletcher und Andrew jedenfalls haben sich gefunden: Zwei Puristen, die ihre Besessenheit für Jazz teilen und sich gegenseitig irgendwie vergiften und gleichsam retten. Whiplash ist ein Film, der konsequent nach vorne drängt und zeigt, dass es nicht viel braucht für großes „Thriller-Drama“.

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